作者：弗雷德里克·莱顿（英国，1830-1896年）

简介：

呈现给观众的是以希腊神话人物造型为基础的戏剧性场面，作者采用一种舞台布景的手段，突出了人物的形象，意在让观众产生最深刻的印象。1871年，这幅画第一次在英国皇家学院画廊展出，意味着莱顿朝着开创古典题材的创作道路迈出了第一步，同时也是对这位画家解决构图比例的高超技艺的一次总结。画中四个女人的位置平衡、匀称，从中可以看出，作者力图创造出一套个人独有的透视法，让画中人物的不同比例变得一目了然。画中的四位女性都被抹上了反映心理特点的光泽，赋予人物形象某种神圣感，这正好让人看到了画家对于抽象地运用形式与色彩的兴趣。莱顿正是利用这两种手段创造了绘画的和谐构图，并用色彩突出人物的个性。

拉斐尔前派艺术史专家和评论家弗雷德里克·乔治·史蒂芬在1871年的画展上指出：“莱顿先生从来没有像现在这样对自己的选题感到如此得意，因为就这个题目本身而言，它不具备任何象征性的意义。但是，经他的手这么一画，就变成了一幅令人赏心悦目的人物画，画面美，画中婀娜女性的色彩也美，她们的衣服在风中像是一直在飘动。”

名称：《后宫之美》

作者：亨利·吕西安·杜塞（法国，1856－1895年）

简介：

亨利·吕西安·杜塞是19世纪巴黎艺术界的知名人物。他曾师从勒费弗尔（1836－1912）和布朗热（1806－1867）学习绘画。1877年在巴黎沙龙初露头角，1880年荣获“罗马大奖”。一年后，他又在巴黎世界绘画展上获得金奖。亨利·吕西安·杜塞主要画人物肖像，多以戏剧或历史题材进行创作。

艺术界普遍认为他的作品内容艰涩，甚至低俗。例如，他的油画《后宫》就受到艺术家们的严厉批评。《后宫之美》是《后宫》的姊妹篇，画的是一个带着薄薄面纱而胸部袒露无遗的女子。这幅作品充分展示了作者的肖像画功底。

名称：《春》

作者：雅克·约瑟夫·提索特（法国）

简介：

很少有画家能像雅克·约瑟夫·提索特这样，把英国的上流社会描绘得如此之美。因此，许多人都以为他是英国人，而实际上他出生在法国南特，在巴黎美术学院学习绘画，与德加和马奈有同窗之谊。

19世纪六十年代，提索特奔赴英国，定居伦敦，一住就是十一年，在这里，成就了他一生最辉煌的业绩。

提索特的作品属于欧美国际时尚的氛围，充分展现了维多利亚时代的精神风貌。他的模特尽是些时装华美，周旋于19世纪英国上流社会的人，他的作品被其仰慕者以那个时代极高的价格收购。

这幅名为《春》的画表现了三位在田野里休憩的少女，但她们的面部没有一丝笑容，几乎可以说毫无表情，像是沉浸在对过去时光的思念里。三个人都是维多利亚时代的时髦装束，加上画面的风景，构成了一幅美丽、充满生机与和谐的图画。

名称：《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》

作者：阿尔伯特·约瑟夫·摩尔（英国，1841-1893年）

简介：

约瑟夫·摩尔出生在英国约克郡一个著名的艺术家庭，在父亲和哥哥的引导下，他很早就走上了艺术创作的道路。19世纪五十年代，摩尔来到伦敦，先在肯辛顿艺术学校学习，而后考入英国皇家学院，1860年前往巴黎和罗马深造。渐渐地，摩尔在艺术上形成了着色轻柔，线条细腻的独特风格，在维多利亚时代的画家中也显得十分突出。他的大部分作品都是以古希腊和古罗马的休闲人物为主角，人物形象明显受到希腊风格的影响。

《四重奏：一个画家对音乐艺术的赞颂》展示了19世纪六、七十年代摩尔艺术创作的多样性。作品在寻求音乐与美术之间联想的同时，用绘画的方式表现出某种“音乐的特性”。画面中四个男人坐在一条背靠墙壁的长椅上，排成一排演奏乐器；三个女人站在他们前面，倾听着音乐。所有男性和女性都穿着古典的长袍，主题像是在暗示古代世界。画面上并没有明确表示出音乐家们与听众之间存在什么联系，也看不出四位演奏家有什么特别之处，但通过几个人物的巧妙安排，充分表现了画家在调理线条和色彩搭配上的巨大创造力。此外，画家可能是有意把现代乐器画进作品里，其目的是为了避免观众真的用考古似的眼光去比对某个真实 的古典场景，这样反而突出了作品创作的时代性。

名称：《农妇》

作者：威廉·阿道夫·布格罗（法国）

简介：

威廉·阿道夫·布格罗是19世纪末20世纪初艺术界最具影响力的人物之一。他的作品在巴黎的几大沙龙中展出，并多次获奖，这不仅提高了他的艺术声望，还为他带来了丰厚的经济利益，并成为拿破仑三世及其皇后欧仁妮的御用画师。

布格罗接受了严格的学院派古典主义教育，并自然而然地转化成个人的创作风格。他在罗马画院学习绘画期间，得以看到意大利的古典精品，并了解了文艺复兴时期的美术作品，而这正是他多年来一直渴望看到的。布格罗艺术道路的一个重要方面，就是在作品中努力将熟记于心的古典绘画规范和透视学与自己的实地观察完美地结合在一起。他善于抓住日常生活及戏剧的场景，塑造不失尊严的普通民众形象，表现了他对社会现实的关注和内心的不安。1871年普法战争和巴黎公社给社会带来的战乱以及法国人高涨的爱国热情，让布格罗感同身受，并通过《农妇》这样的作品把它展示出来。

在这幅画中，布格罗旨在创造一个动乱年代中法国人抵御外来入侵的形象，为此他选择了手持大镰刀收获庄稼的农妇，她昂然挺立，充满豪气，代表了法国人民的崇高和坚强。农妇的形象生动地表现了法国人民的爱国情操，以及这个民族绝不屈服于敌人的坚定决心。

此外，这幅画也展现出布格罗的艺术主张：即艺术作品要歌颂劳苦大众，既表现他们的高傲与尊严，又让人们看到他们内心的纯净美。这一主张也符合巴黎美术学院的教学宗旨之一，即让学生学到表现主题的恰当方式。因为这个时期的绘画是教育民众的手段，主题的历史背景及神话传说应当为寻求理想和真理服务。

名称：《无言的歌》

作者：约翰·梅尔休伊什·斯特拉德威克（英国，1849-1937年）

简介：

1877年，当拉斐尔前派第二批的重要成员之一伯恩·琼斯在格罗夫纳画廊成功参展、并一举成名之后，周围立即聚集了一批青年画家，其中就有约翰·梅尔休伊什·?斯特拉德威克。当时，这位年青艺术家的创作就以《圣经》及文学、神话传说题材为主，带有明显的复古倾向。

斯特拉德威克的创作生涯，开始于广泛吸纳无名画家的“达德利”画廊。《无言的歌》是1876年斯特拉德威克唯一一幅获准在英国皇家学院画廊参展的作品。该画售出后，他得以购置了一间画室，并开始了独立画家生涯。这件事，在当时的英国艺术界曾引起轰动。乔治?肖伯纳回忆说，斯特拉德威克是几经努力才将《无言的歌》放进皇家学院画廊的，不过参展之后，就获得巨大成功。

《无言的歌》画的是位目光传递爱意的窈窕女性，而周围的鸟鸣声又似乎揭示了她的某种思乡之情。

名称：《瓦实提》

作者：埃德温·朗（英国）

简介：

埃德温·朗作品的主要收藏家是英国人莫顿·拉塞尔·科茨。在以此人名字命名的博物馆里，曾经收藏过这幅名画。

朗的创作属于典型的东方主义流派。他走上这条创作道路是开始于他的老师约翰·菲力普斯劝他完成的西班牙、埃及和叙利亚的旅行。1874年，他访问了耶路撒冷，并以《圣经》为题材，创作了大量的作品，其中包括他的成名之作：《市场里的巴比伦婚礼》。1875年，这幅画在英国皇家学院画廊展出时，大获成功。1882年，该画在克里斯蒂拍卖行以七千古英镑售出，让画家过上了衣食无忧的日子。

和我们随后会欣赏到的荷兰画家阿尔玛-塔德玛的作品一样，朗在作品中也特别注重画面的布景及装饰物的准确性。在他创作的大量以《圣经》为题材的油画中，《瓦实提》是其中著名的一幅。这个故事记述在《旧约?以斯帖记》中，讲的是波斯国王亚哈随鲁在宴会席间，命人召见王后瓦实提，以供宾客欣赏她的美貌。但王后拒绝了国王的无理要求，这使国王觉得有损了自己的尊严，甚至会有可能形成妻子不尊重丈夫的社会风气，从而种下家庭矛盾的祸根。因此，事后国王废掉了王后，并写入波斯律法，代表永不反悔。

这幅作品的背景是一座波斯式的大殿，画家精心绘制了其中的铭文和浮雕。王后充满异国情调的美貌、华美的服饰及珠宝，与她哀伤而失望的表情形成了鲜明的对照。作品具有强烈的象征性含义，因为当时英国普通民众的生活也和王后所面临的一样，是异常困窘的。

名称：《圣佩尔山的割麦人》

作者：奥古斯汀·雷荷密特（法国，1844-1925年）

简介：

莱昂·奥古斯丁·莱尔米特是19世纪现实主义流派的领军人物，他出生在法国皮卡第大区的埃纳省，并在那里生活了20年。他眷恋着那里的农村生活，所以一生都是以农村为题材作画，并有幸成为这一杰出艺术流派的最后一位画家。

莱尔米特生活的时代，正是法国的城市和农村的社会角色开始大变革的时期。整个国家正在迅速地现代化，城市也在加速实现工业化。文明、进步的北方和布满农庄和农民的南方，形成泾渭分明的态势，各大区之间几乎没有人口的流动。作为国际性大都会巴黎的居民，巴黎人开始把法国南部看成依旧保持原生态田园风情的乐土。于是，生活在城市的巴黎精英们将城郊变成了怀旧的天地，许多艺术家和作家也把这片土地当成创作的乐园。1880年后，莱尔米特绘制了数张大幅的描绘家乡圣佩尔山乡亲们生活和劳作的画作，并在展览中大获成功，其中就有这幅《圣佩尔山的割麦人》。

名称：《克娄巴特拉用死囚尝毒》

作者：亚历山大·卡巴内尔（法国）

简介：

作为拿破仑三世的宫廷御用画家，亚历山大·卡巴内尔在《克娄巴特拉用死囚尝毒》这幅画中，成功地展示了他的美学理念。

19世纪上半叶，一门新兴的学问“埃及学”逐渐激发起欧洲人对这个国家的历史文化、尤其是埃及艳后克娄巴特拉的生平的兴趣，当时的画家们争相表现有关埃及的题材。卡巴内尔的这幅画取材于希腊学者、传记作家普卢塔克的著作《安东尼的一生》。讲的是亚克兴角战役之后，被屋大维打败的埃及艳后克娄巴特拉感到末日临近，决定自杀。为此，她下令让几个奴隶体尝不同的毒药，以便为自己选择痛苦最小的一种。卡巴内尔的画笔准确地抓住了人物的表情：克娄巴特拉的人格魅力没有一丝一毫的流失，她斜倚在兽皮铺就的长椅上，身边伴有一只豹子和一个摇扇的侍女，姿态闲适地观察着每个奴隶死亡时的表情。画面以外表的华丽与暗含着的死亡恐惧形成一种对峙的张力，这一点，也许会让人联想到法国浪漫主义先锋德拉克洛瓦的代表作《萨达那巴尔之死》，而与《萨达那巴尔之死》用跃动的笔触展现临死前的不安不同，这幅画则是用细腻的手法营造出一种表面的平静。

这幅作品于1887年在巴黎沙龙画廊展出，并于同年赠于比利时安特卫普艺术博物馆。该画还曾保存在法国的贝济耶美术馆。

名称：《池塘边的三头牛（埃弗雷的记忆）》

作者：让-巴蒂斯特·卡米耶·柯罗（法国，1796-1875年）

简介：

让·巴蒂斯特·卡米耶·柯罗是法国巴比松画派的代表画家。这个流派实际上并非一个自觉形成的画派，只是因为他们多聚集在巴黎郊外的巴比松村，并以写实的风景和乡村为创作题材，所以被后人称之为一个画派，但事实上他们之间很多创作理念并不相同。例如，柯罗的风景画视角就与同时代画家们完全不同。他既不同于卢梭的自然主义画派，也不同于库尔贝的现实主义画派，他更喜欢把风景画画得富有田园诗般的幻觉意境。柯罗的画风是经过长时间的锤炼才形成的：他在19世纪二十年代的风景画十分突出主题；到了四十年代，自然主义又占了主导位置；五十年代的风景画则完全是为风景本身而画。1851年和1859年的法国沙龙对柯罗风格的定型起到了决定性作用，标志着柯罗风景画的几次不同风格的转变。

这幅油画与19世纪被称之为“记忆画”的一种绘画体裁有关，其名称直接来自法国户外作画的历史。柯罗是最早摆脱户外作画时完全用“观察”取代“想像”的画家。他作画时，完美地融入了新古典主义风景画的手法。这种绘画手法的演变，对了解他的绘画技巧是至关重要的。和大多数法国画家一样，柯罗从居住了三年的意大利回国时，带回了一百多幅在那里画的风景写生，这些画对他后来的画室创作起了很大的作用。因为一张草图，一、二十年后可以演变成无数张画。柯罗毕生就是以这种方式进行创作，并在19世纪五十年代前后，以对一生中各个阶段绘制的草图进行“回忆”为基础，创造了一种把它们重新整合成新的风景画的绘画方法。《池塘边的三头牛（埃弗雷的记忆）》就是这样一幅作品。它并不代表某个确切的地方，而是画家在自己的画室里，面对画布进行天马行空般想像的结果。柯罗有新古典主义的功底，因此，他可以随心所欲地在画室里画风景画，就像置身一片森林之中。

名称：《塞纳河畔，韦特伊附近》

作者：克洛德·莫奈（法国，1840-1926年）

简介：

克劳德·莫奈是法国19世纪印象派的领军人物，正是他广为人知的《日出·印象》完成了对这一流派的命名。

1878至1881年间，克劳德·莫奈住在贝特维尔。这是一座位于巴黎和鲁昂之间的小城，莫奈的房屋正好在塞纳河边，周围是一片美景，为他捕捉一年四季的光线变化提供了绝妙的环境。画家在贝特维尔完成的对塞纳河的观察，说明他对研究同一物体在不同光照条件下产生的变化不定的效果怀有极大的兴趣，并且为他二十年后完成的《睡莲》系列大作打下了伏笔。此外，逐渐远离巴黎喧嚣的现代化生活，也让莫奈集中精力专心探究同一景色的各种变化。这种归隐的生活方式表明，莫奈对描绘一个地方的特殊自然环境的各种不同景象，怀有极其强烈的兴趣。

 PS:看画展过程中，子越到处钻来钻去，不断发出各种怪声，惹得旁边虎视眈眈的保安不时拿眼光瞄我们，搞得我们怪难为情的。看来，现在带他来看这种画展还为时过早。

     逛逛享誉世界的北京798艺术区，是我和老公一直的心愿，这次既来之，当然要看之，于是看完壁画展，我们就直奔798艺术区。

    798艺术区的前身是国营北京第798艺术区前身是国营北京第三无线电器材厂，位于北京大山子，占地12万平方米，厂房为上世纪50年代初由苏联援建。从2002年开始，一批艺术家和文化机构开始进驻这里，成规模地租用和改造空置厂房，逐渐发展成为画廊、艺术中心、艺术家工作室、设计公司、餐饮酒吧等各种空间的聚合，形成了具有国际化色彩的Soho式艺术聚落 和Loft生活方式，引起了相当程度的关注。经由当代艺术，建筑空间，文化产业与历史文脉及城市生活环境的有机结合，798已经演化为一个文化概念，对各类专业人士及普通大众产生了吸引力，并在城市文化和生存空间的观念上产生了影响。

    以798为主的厂区的建筑风格简练朴实，讲求功能。巨大的现浇机构和明亮的天窗为其他建筑所少见。它们是50年代初由苏联援建、东德负责设计建造的重点工业顶目，几十年来经历了无数的风雨沧桑。伴随着改革开放以及北京都市文化定位和人民生活方式的转型、全球化浪潮的到来，798厂等这样的企业也面临着再定义再发展的任务。随着北京都市化进程和城市面积的扩张，原来属于城郊的大山子地区已经成为城区的一部分，原有的工业外迁，原址上必然兴起更适合城市定位和发展趋势的、无污染、低能耗、高知识含量的新型的产业。大批艺术家文化人的入驻，正是这一历史趋势的反映。

    这批入驻者中，包括设计、出版、展示、演出、艺术家工作室等文化行业，也包括精品家居、时装、酒吧、餐饮等服务性行业。在对原有的历史文化遗留进行保护的前提下，他们将原有的工业厂房进行了重新定义、设计和改造，带来的是对于建筑和生活方式的创造性的理解。这些空置厂房经他们改造后本身成为新的建筑作品，在历史文脉与发展范式之间，实用与审美之间与厂区的旧有建筑展开了生动的对话。而这批入驻者的生存方式本身就是经济改革的产物，他们展示了个人理念与社会经济结构之间新的关系：在乌托邦与现实，记忆与未来之间。798是新时期以来的青年文化经过积淀转向成熟的过程。这里形成的文化将是地方资源的国际性转化，是个人理想的社会化。新的798意味着先锋意识与传统情调共存，实验色彩与社会责任并重，精神追求与经济筹划双赢，精英与大众的互动。出现在798的这一现象，牵涉到都市发展、生产和消费模式的广泛问题。

    现今，798已经引起了国内外媒体和大众的广泛关注，并已成为了北京都市文化的新地标。

    目前这里聚居的不仅局限于北京城市边缘的艺术家，更有当代一大批艺术名流。他们展现最新的创作成果，利用这个平台促进文化与艺术创新，加强中国与国际间的文化交流并繁荣北京的城市文化。 这里开设了许多画廊、艺术中心、工作室、中西餐厅、酒吧、咖啡厅、书店、瑜珈中心、俱乐部以及艺术家工作室等，不时有些艺术盛事。有的有点MS《奋斗》里的心碎乌托邦，有的地方直看得心跳不已，太似我想象中的生活状态~~前不久看到一刚消息，说咱们武汉将在汉阳也改建一个798艺术区，热切盼望中……

    走在798艺术区，随处可见涂鸦之作，随时可看到令你惊奇的雕塑，一不小心就会看到一些奇特的造型，一切都以艺术的名义遗世独立着。

艺术体验第四站：在中央美术学院尿尿……

    中央美院，那可是很多美术高考生的梦想哦，从那里出去的人，成名成家的大都机会多多。同行的一朋友，在他女儿两岁时带去看了一眼清华大学，结果考上了清华大学，提议带子越去央美瞅瞅，加上我和老公也没有去过梦想中的大学。于是最后去了一趟中央美术学院。刚到央美大门，小子尿急，没经我们同意，就在门口尿了一滩~~后来在校园里他又故伎重演了一次。唉，竟然如此贱踏他老爸老妈心中的圣地~~